Советское искусство обычно ассоциируется с масштабными сюжетами барельефов, памятниками-исполинами и агитплакатами. Но рядом с новыми направлениями продолжали развиваться традиционные ремёсла: они находили место в социалистическом быту и даже получали второе дыхание благодаря экономической поддержке.

Сегодня в честь Международного дня акварели вспомним, как самобытные художники сохраняли и развивали культурный код русских ремёсел в прошлом веке.

Традиционные ремёсла в новой реальности

Послевоенные годы стали для народных промыслов СССР не просто временем восстановления, а настоящей эпохой расцвета. Художники, мастера и целые артели получили государственную поддержку, доступ к новым площадкам и возможность расширять производство. Благодаря этому промыслы не только сохранились, но и превратились в крупные культурные и экономические явления.

В 1960–1980-х годах декоративно-прикладное искусство достигло своего пика: создавались музеи, открывались художественные лаборатории, росли школы мастеров, а изделия отправлялись на экспорт по всему миру. На предприятиях трудились тысячи художников и ремесленников, а оборот художественной промышленности к концу 1980-х достигал суммы 1,5 млрд $.

Но путь к такому успеху начался гораздо раньше — сразу после войны. И лучше всего это видно на примерах нескольких знаменитых промыслов: хохломы, палехской миниатюры, гжели и дымковской игрушки.

Хохлома: женская сила и художественные инновации

До войны хохломской росписью занимались в основном мужчины, но после войны их сменили женщины. В Семёнове сформировался большой стабильный коллектив мастериц, которые не только сохранили технику, но и расширили её возможности.

Особенно ярко этот рост связан с именем Екатерины Николаевны Доспаловой. Она пришла на производство в 1956-м, а в 33 года стала главным художником объединения Хохломская роспись. Она руководит новой творческой лабораторией, перед которой стоит задача обновить ассортимент и повысить качество изделий. Принцип был прост: талант плюс требовательность. Результат — более 200 новых моделей, отправленных в производство.

Настоящий прорыв случился в 1965 году. В Строгановской церкви открыли выставку новых образцов хохломы — от наборов для ухи и кваса до чайной посуды. Выставка имела огромный успех, а фабрика получила поток заказов со всей страны.

Признание пришло и на международном уровне. Мастеров из Семёнова начали приглашать на зарубежные выставки. На Экспо-67 в Монреале Доспалова расписывала изделия прямо перед посетителями — гости были изумлены её виртуозностью.

Палехская миниатюра: традиции и театральность

Палех в послевоенные годы стал признанным центром лаковой миниатюры. В 1954-м здесь организовали художественно-производственные мастерские, где мастера расписывали шкатулки, броши и портсигары. Они использовали тончайшие кисти из беличьего волоса, а краски разводили желтком с квасом или водой. Основная палитра — золотой на чёрном фоне — создаёт неповторимую глубину и сияние.

Особенностью палехской миниатюры стало сочетание традиционных сюжетов — сказок, былин, классики — с современной тематикой. Уже в 1940-х появляются изображения красноармейцев и сцены советской истории. Мастера также создавали миниатюрные копии картин русских художников.

В 1954 году главным художником мастерских стал Борис Михайлович Ермолаев, автор знаменитых работ «Репка», «Иван Сусанин», «Снегурочка», «Царевна-лягушка». Он также занимался монументальной и театрально-декорационной живописью — оформлял залы, дворцы пионеров, создавал эскизы костюмов и декораций для театров.

Одна из самых впечатляющих работ Ермолаева — совсем крошечная. На марочнице высотой всего 3,5 см он уместил сюжет Сказки об Али-египтянине: художник с филигранной точностью выписал 26 человеческих фигур и 2 верблюдов.

Палех в эти десятилетия переживал триумф:

• устраивались передвижные выставки по всей стране;
• на международном уровне выходили альбомы;
• в город ехали потоки туристов;
• государство поддерживало развитие музеев и фондов.

Передвижная выставка ГМПИ объехала десятки городов СССР, включая Шую, Ярославль, Пермь и многие другие. Она стала важнейшим инструментом популяризации палехского искусства среди населения страны.

Гжель: рождение бело-синей классики

Современная гжель, которую мы знаем сегодня, — результат послевоенного возрождения. В XIX веке ремесло пережило кризис: крупные фабрики вытеснили небольшие мастерские. После революции предприятия национализировали и переключили на технический фарфор, а художественная гжель была почти забыта.

Перелом происходит в 1940-1950-е годы.

Ключевые фигуры возрождения:

Александр Борисович Салтыков — искусствовед, автор «Азбуки гжельских мазков»;

Наталия Бессарабова — художница, разработавшая новые формы изделий и обучившая «писарих» старинным способам росписи.

Именно в 1950-е формируется тот самый узнаваемый стиль — белый фон и глубокий синий кобальт. Сначала узор кажется чёрным, но при обжиге проявляется характерная синяя палитра.

В 1957 году в Гжельском керамическом техникуме открывают специальность «художественная керамика», а позднее создают объединение «Гжель» из маленьких ремесленных предприятий региона. В советские десятилетия производство расширяется: «Гжель» выпускает не только посуду, но и плитку, светильники, сувениры — всё, что может стать художественным предметом быта.

Дымковская игрушка: яркая глина и сила традиции

Дымковская игрушка — один из самых добрых и узнаваемых русских промыслов. Её делают из местной красной глины, смешанной с песком. Заготовку белят мелом, а сверху наносят яркие краски. Изначально это были свистульки, которые лепили к празднику.

В 1920-е ремесло оказалось под угрозой исчезновения. Его спасла Анна Афанасьевна Мезрина, единственная мастерица, которая продолжала лепить и расписывать фигурки даже тогда, когда другие авторы ушли от этого.

Во время Великой Отечественной войны производство почти остановилось, но эвакуированные с удовольствием покупали игрушки, и мастерские возобновили работу уже в 1942 году. Вскоре «дымка» получила статус экспортной продукции.

Послевоенные годы стали временем бурного роста. В Дымково и Кирове работали около 60 мастериц, строились новые помещения, открывались обучающие программы. В 1955 году старшие мастерицы начали системно передавать опыт ученицам. Они помогали каждой найти собственный авторский стиль.

Высшие награды СССР подтвердили значимость промысла. В 1967 году мастерицы Зоя Пенкина, Елизавета Косс-Деньшина, Екатерина Кошкина и Ольга Коновалова стали лауреатами Государственной премии РСФСР имени Репина. Их яркие, живые образы барынь, наездников, животных и праздничных сцен стали классикой дымковского искусства.

Почему послевоенные годы стали золотым временем промыслов

Государство рассматривало народные промыслы как важную часть культуры. Правительство поддерживало развитие художественного стиля, повышалось качество изделий и расширялись рынки сбыта. «Декоративно-прикладное искусство народов РСФСР, являющееся неотъемлемой частью советской социалистической культуры, активно влияет на формирование художественных вкусов населения, обогащает профессиональное искусство», — говорилось в Постановлении Правительства РСФСР 1975 года.

Что удалось развить с поддержкой государства:

• профессиональное образование;
• преемственность мастерства;
• создание музеев и выставок;
• поддержку экспериментальных лабораторий;
• рост экспорта.

Так сложилась уникальная среда, в которой ремесло стало настоящим искусством, а искусство — частью повседневной жизни советского человека.

Народные промыслы СССР не просто выжили после войны — они окрепли, развились и стали значимой культурной силой. Хохлома, палех, гжель, дымковская игрушка — каждая традиция прошла путь обновления, сохранив при этом собственные уникальные черты.

Послевоенные десятилетия превратили эти ремёсла в символы страны, которые и сегодня остаются важной частью культурного наследия России.

А у вас есть любимые промыслы? Может, вы коллекционируете изделия народных мастеров? Поделитесь в комментариях!